“What a relief to shelter from the sweltering heat and spend an hour with music of such radiance and beauty from a husband and wife dream team . A moving mixture of Schubert ‘Winterreise’ and Vaughan Williams ‘Songs of Travel’ . The programme is titled ‘Journey 100’, commemorating the 100thy anniversary of the birth of the German baritone Dietrich Fischer- Dieskau (1925- 2012) who was an enormously influential artist and for many ,his voice epitomises a refined lyrical ,articulate manner of performance through which the poetry shines.”
https://christopheraxworthymusiccommentary.com
“Le Théâtre des Champs-Élysées présente L'Italienne à Alger de Rossini en version concert, par Le Concert de la Loge et le Chœur Fiat Cantus sous la houlette de Julien Chauvin que rejoint une troupe de solistes galvanisés par Marie-Nicole Lemieux...Le baryton-basse Mikhail Timoshenko est un Taddeo de haut vol. Sa voix enrobée de riches harmoniques résonne sur toute la tessiture et, côté humour, sa présence théâtrale se hisse au niveau de ses partenaires...”
https://www.olyrix.com/
“Après L’Enlèvement au Sérail il y a un an et demi environ, Julien Chauvin et Le Concert de la Loge nous invitent à l’écoute d’une nouvelle turquerie sur instruments anciens. Le chef et sa formation inscrivent ainsi une nouvelle œuvre à leur répertoire, également leur premier contact avec Rossini, du moins à l’opéra. Il faut admettre qu’ils s’en sortent avec les honneurs et nous pouvons espérer que cette expérience ne sera pas sans lendemain. La direction paraît plutôt sage au tout début, affectée d’un rendu quelque peu abrupt des cordes dans l’ouverture, où se distingue le malicieux a solo de la clarinette dialoguant adroitement avec la flûte traversière, nous entrainant vers ce crescendo vertigineux qui constitue la griffe de l’ouvrage et du compositeur...Malgré des voyelles à la prononciation encore perfectible, Mikhail Timoshenko, en prise de rôle, campe un Taddeo à l’élocution souple, devisant adroitement avec le chœur dans son air de l’acte II...”
https://www.premiereloge-opera.com
“Après la Semiramide de la veille dans ce même Théâtre des Champs-Élysées, place au Rossini buffo avec L’Italiana in Algeri. Et ce concert est fort réussi, en premier lieu grâce à l’excellente direction musicale de Julien Chauvin aux commandes de son ensemble du Concert de La Loge, le chef délaissant pour un soir sa fonction « en même temps » de premier violon de l’orchestre...Le baryton Mikhail Timoshenko compose un Taddeo magnifiquement timbré et plus puissant que son confrère, à en juger par la courte joute vocale des Pappataci en fin de second acte. On est en présence d’un titulaire plus jeune que d’ordinaire, très noble de timbre et utilisant sa vis comica avec justesse...”
https://resonances-lyriques.org/
“Le bel écrin du Théâtre des Champs-Elysées vient d’accueillir une version en concert d’un des opéras les plus drôles du Cygne de Pesaro, L’Italienne à Alger. Cet opéra-bouffe est une « turquerie » comme on en trouve depuis le milieu du XVIIIe siècle, s’inscrivant dans le sillage du Turc Généreux des Indes Galantes de Rameau ou de L’Enlèvement au sérail de Mozart. C’est une œuvre de jeunesse de Gioacchino Rossini, composée à seulement 21 ans. À l’exception de Tancredi, toutes les œuvres la précédant sont de petites comédies en un acte assez courtes. Une œuvre donc extrêmement aboutie et soignée par le compositeur qui laisse à de bons chanteurs toute la place d’exprimer leur potentiel comique...Enfin, c’est Mikhail Timoshenko qui interprétait Taddeo, le soupirant infortuné et ridicule d’Isabella. Vocalement il est immense comme le montre sa très belle et très justifiée carrière. Malgré son jeune âge, nous le pensons mûr pour commencer à aborder des rôles plus larges et avons hâte de l’y entendre...”
https://www.classiquenews.com/
“Draußen hat sich der meteorologische Frühling gerade verabschiedet, drinnen, in der Aula der Alten Universität in Heidelberg, wird es ohnehin kalt: Schubert, „Winterreise“. Es gibt einsame Gipfelwerke in der Musikgeschichte, deren Aufführung stets aufs Neue zur quasi existenziellen Herausforderung wird. Für beide Seiten, für die Künstlerinnen und Künstler wie für die Zuhörer...Am Ende steht das absolute Nichts. Timoshenko lässt uns zusammen mit seiner höchst sensiblen Klavierbegleiterin teilhaben an diesem Weg hin zur völligen, damit existenziellen Verlorenheit. Denn am Ende des „Winterreise“ steht vielleicht ja noch nicht einmal der Tod, sondern das absolute Nichts...”
https://www.rheinpfalz.de/
“Das Wiener Kaffeehaus als Institution wurde hier gebührend gefeiert. Nikolaus Büchel bereitete das Ganze als Regisseur und gebürtiger Wiener auch kabarettistisch auf: "Wie kommt der Wolf ins Kaffeehaus?" Die israelische Mezzosopranistin Hagar Sharvit, Mikhail Timoshenko (Bariton) und Elitsa Desseva (Klavier) ließen den unverwechselbaren "Wiener Schmäh" Revue passieren. Das zeigte sich sogleich zu Beginn, als beide Sänger "In einem kleinen Cafe in Hernals" von Hermann Leopoldi anstimmten. "Der Abschiedsbrief" von Kurt Weill spielte in der Interpretation von Hagar Sharvit virtuos mit erweiterter Tonalität...”
https://theaterkompass.de/
“Le Papageno du bartyon Mikhail Timoshenko, habitué de Bastille, est au même niveau d’excellence et l’on apprécie d’ailleurs tout particulièrement leurs duos, grands moments musicaux. Drôle et parfois tragi-comique, ce Papageno se situe à des hauteurs rarement atteintes dans ce rôle tout à la fois espiègle et rempli de cette fantaisie enchanteresse qui caractérise l’œuvre. Très à l’aise sur scène, la voix puissante et subtile tout à la fois, le baryton nous enchante de son arrivée par les travées de la salle à son désopilant numéro avec Papagena (merveilleuse Ilanah Lobel-Torres, membre de la troupe lyrique de l’OnP, qu’on espère revoir dans des rôles plus consistants)...”
https://cult.news
“Sans être exceptionnelle, la distribution vocale est très bonne, dominée par les deux interprètes de Tamino et Papageno . Le premier est le ténor slovaque Pavol Breslik. Le second est le baryton russe Mikhaïl Timoshenko. Il nous réjouit toute la soirée. La Pamina de Nikola Hillebrand est touchante. Aleksandra Olczyk chante la Reine de la nuit avec une voix vibrante dont les vocalises ne coulent pas mais dans lesquelles elle insiste sur chaque note, rendant son expression dramatique. Jean Teitgen chante Sarastro avec noblesse. Nicolas Cavalier est un bon Orateur. Mathias Vidal est très à l’aise en Monostatos. Charmante intervention de Ilanah Lobei-Torres en Papagena . Son duo Pa-pa-pa-geno-pa-pa-pa-gena est bien sûr très attendu. Il fait toujours son ef-fet-fet. Mention spéciale pour les deux trios des Dames de la nuit et des enfants. Souvent, ils sont sacrifiés – surtout le second. Ici, ils sont remarquables. Ces dames sont Margarita Polonskaya, Marie-Andrée Bouchard et Claudia Hucke. Quant aux enfants, ils ont été choisis dans la Chorale d’enfants Aurelius de la ville de Calw en Bavière...”
https://www.classiquenews.com
“Mais le maitre des lieux est bien l’inénarrable Papageno, Mikhail Timoshenko, que l’on sent chez lui à Bastille. Le baryton puissant incarne l’oiseleur vibrionnant sans le caricaturer avec beaucoup d’humour et de tendresse, la salle est avec lui...”
http://unfauteuilpourlorchestre.com/la-flute-enchantee-de-wolfgang-amadeus-mozart-mise-en-scene-de-robert-carsen-a-lopera-bastille/
“Reprise de La Flûte enchantée à l’Opéra Bastille : pour les chanteurs surtout ! Reste le Sprecher noble et sonore de Nicolas Cavallier, et le charmant couple formé par Papagena, Ilanah Lobei-Torres, et Papageno, Mikhail Timoshenko, tous deux anciens élèves de l’Académie de l’Opéra de Paris. Malgré son ridicule costume de hippie à sac à dos, dès le premier air de l’oiseleur, on constate l’aisance du jeune baryton russe à bien placer sa voix, naturellement belle jusque dans les aigus, une beauté vocale qui se confirme dans « Ein Mädchen oder Weibchen » : un pur moment de plaisir ! On pourra retrouver Mikhail Timoshenko sur scène à Paris en 2025 dans L’Italienne à Alger au TCE...”
https://www.premiereloge-opera.com
“Il y a 200 ans, les berlinois en délire découvraient un opéra fantastique qui allait devenir une œuvre phare du répertoire romantique. En 2021, presque rien ne pouvait empêcher la fête de se tenir surtout doublée d’un autre anniversaire. Explications…”
http://www.classique-c-cool.com/
“Carlus Padrissa — Stage director Christoph Eschenbach — conductor Jeanine de Bique — Agathe Anna Prohaska — Ännchen Benjamin Bruns — Max Mikhail Timoshenko — Ottokar La Fura dels Baus — Scenography Esteban Muñoz — Dramaturgy Tamara Joksimovic — Assistant stage designer Hwan Kim — Costume designer Jose Vaaliña — Lighting, video Now is the perfect time to get (re)acquainted with Carl Maria von Weber's spectacular Der Freischütz (The Marksman), recorded here in a production that marked the 200th anniversary of its premiere at the Konzerthaus Berlin on June 18, 1821! Two hundred years later on the same stage, Carlus Padrissa—co-founder of the provocative, visionary theatrical group La Fura dels Baus, brings to vibrant life his vision of this monument of Romantic opera repertoire. To recreate the fantastical atmosphere of the tale, Padrissa strips the splendid Konzerthaus of its orchestra seats to free up a vast space in which the singers and actors can perform freely. He also appeals to Jose Vaaliña's exceptional lighting, rendering his tricks and machinations visible to all. Padrissa's surprising, over-the-top reimagining of Der Freischütz nonetheless remains faithful to the original libretto and its narrative frame: the hunter Max (played by the excellent Benjamin Bruns) must win a well-known shooting contest to win the hand of Agathe (the luminous Jeanine de Bique). A recent string of poor luck, however, leads him to strike a deal with the devil in the hopes of triumphing… A delightfully off-the-wall adventure masterfully conducted by Christoph Eschenbach, the musical director of the Konzerthaus!”
https://www.medici.tv/
“Am 200. Jahrestag der Uraufführung von Carl Maria von Webers „Freischütz“, die am 18. Juni 1821 im Schauspielhaus am Gendarmenmarkt Berlin, dem heutigen Konzerthaus stattfand, inszenierte die katalanische Theatergruppe La Fura dels Baus diese Oper – ganz ohne Zuschauer im Großen Saal des Konzerthauses, aber live übertragen in alle Welt.”
https://www.nmz.de/
“After having effectively introduced the French song “À la claire fontaine” in the Chinese setting of The Painted Veil, it shouldn’t be surprising that renowned film composer Alexandre Desplat has rendered a Japanese short story into a French chamber opera. Entitled En Silence, it’s a masterful evocation of very subtle hues of different kinds of silences between the three main characters. Desplat’s canvas are the spaces between them, their intersecting points, and their increasingly diverging paths. No stranger to portraying tension between characters and their inner dramas in music, Desplat has explored these themes in over 150 films, such as Lust, Caution (set in Japan), or Benjamin Button. His music also explored Wes Anderson’s quirky Japan in The Isle of Dogs. In fact, instead of attending the Academy Awards as a nominee of Best Film Composer for The Isle of Dogs, Desplat chose to be present in Luxembourg where his latest Chamber Opera, En Silence, was premiered to an appreciative audience at the Grand Theatre du Luxembourg on 26 and 27 February, 2019...”
https://www.litrony.com“La production de James Gray, présentée au Théâtre des Champs-Élysées en novembre dernier, entame une tournée qui, après Nancy, la conduira à Lausanne, à Luxembourg, et jusqu’à Los Angeles. Non seulement elle s’est bien adaptée à la scène de l’Opéra National de Lorraine, mais le spectacle, dont Romaric Hubert rendait compte ici il y a deux mois (un compte rendu auquel nous renvoyons pour l'analyse de la mise en scène), nous a semblé curieusement plus vivant, plus alerte. Peut-être est-ce lié aux dimensions de la salle, qui créent un lien plus immédiat avec le plateau, mais sans doute l’équipe de chanteurs réunie pour cette reprise y est-elle également pour quelque chose : tous, en effet, font preuve d’une implication de tous les instants, ainsi que d’une aisance scénique et d’un naturel étonnants – ce qui est d’autant plus remarquable que, pour trois des interprètes principaux (Huw Montague Rendall en Comte, Adriana Gonzalez en Comtesse, Mikhail Timoshenko en Figaro) il s’agissait ici de prises de rôles....”
http://premiere-loge.fr
“Mikhail Timoshenko,...with impeccable legato technique, tremendous stylistic versatility, superb command of German, French, English and, one assumes, Russian…and Elitsa Desseva’s beatboxing in Moritz Eggert’s Sprich Sheherazade showcased the kind of modern art song that shows there is life in this form beyond the I-can’t-believe-it’s-not-Britten school of composition.”...”
https://www.thetimes.com/
“Russian bass-baritone Mikhail Timoshenko has won first prize at this year’s Wigmore Hall / Independent Opera International Song Competition After four days of rounds before a jury comprised of eminent performers including Iain Burnside and Dame Felicity Lott, 25-year-old Timoshenko was awarded the £10,000 first prize. He performed with his duo partner, Bulgarian pianist Elitsa Desseva. Winner Mikhail Timoshenko studied at the Mednogorsk Conservatoire and the Hochschule für Musik Franz Liszt, Weimar. He has won top prizes in several other competitions, including first prize at the Franz Schubert und die Musik der Moderne Competition in Graz and the Hugo Wolf Competition in Stuttgart.”
https://www.rhinegold.co.uk
“For the last production of the season celebrating the 350th anniversary of Opéra national de Paris, Mozart’s Don Giovanni was entrusted to Belgian theatre director Ivo van Hove. Famous for his minimalist stagings and radical innovations at the Toneelgroep, a repertory theatre in Amsterdam, his vision of Mozart’s dramma giocoso delves into questions of power and its abuses. Set in a grey, dehumanized environment of hybrid modernist architecture (Giorgio de Chirico and Carlos Scarpa are referenced), characters dressed like Robert Longo’s ‘Men in the city’ seem to be ruling the streets. Van Hove unmistakably focuses on the abuse endured by the women: Donna Anna, Donna Elvira and Zerlina. Don Giovanni and his double, Leporello, are white-collar criminals with guns tucked under their Armani jackets. There are clear parallels to the #metoo movement but at the same time, van Hove subtly expresses the timelessness of this great work. Elsa Dreisig is a jovial and fresh-voiced Zerlina, charmingly defiant of her macho fiancé Masetto, the excellent Mikhail Timoshenko...”
https://operacanada.ca
“Par Bruno Serrou Deux nouvelles productions livrent des conceptions diamétralement opposées du chef-d’œuvre de Mozart : classique ici, irrévérencieuse là. Pour sa seconde mise en scène à l’Opéra de Paris (1) après Boris Godounov, Ivo van Hove investit une rue de Séville toute de béton gris, avec moult points de fuite où Don Giovanni et ses adversaires, vêtus de costumes contemporains, se dissimulent, s’échappent. L’éclairage est sombre jusqu’à la morale finale où fleurs et tissus colorés font leur apparition. L’intérêt de cette production est la gémellité entre Don Giovanni et son valet Leporello. Silhouette et voix sont saisissantes d’analogie, grâce à la remarquable prestation d’Étienne Dupuis et de Philippe Sly. Le Masetto de Mikhaïl Timoshenko est tout aussi convaincant, à l’instar de l’impressionnant Commandeur d’Ain Anger...”
https://www.la-croix.com
“L’usage de cloisonner les genres et les pratiques, qui dépend souvent de tropismes plus ou moins nationaux ou culturels, conduit parfois à rendre certains créateurs prisonniers d’une catégorie où ils s’illustrent le mieux. Ainsi Alexandre Desplat, reconnu et récompensé pour ses musiques de film, a-t-il reçu, de la part des Théâtres de la Ville du Luxembourg la commande de son premier opéra, créé le 26 février 2019 dans le Grand-Duché. C’est le format de chambre que le compositeur a retenu pour En silence, adaptant, avec Dominique Lemonnier, dite Solrey – elle signe également la mise en scène – une elliptique nouvelle homonyme de Yasunari Kawabata, dans la petite salle modulable du complexe théâtral, aux dimensions et disposition idéales pour cette création délicate...”
http://www.anaclase.com
“The paralysed writer Omiya Akifusa is deprived of his language, his ges- tures and his words. How can a creative individual still live when deprived of his means of artis- tic expression? What becomes of his story, his past, his present and how does the Other invent his future? Interwoven with questions on creation, transmis- sion, memory, and loss, Yasunari Kawabata’s metaphysical short story oscillates between apparition and extinction and brings into play an alternation between the tangible and the world beyond, the inner and the outer, silence and music. The road that leads Mita to the home of the Master and his daughter Tomiko is an initiatory journey through a tunnel near a crematorium where errant souls mingle with the ghost of a young woman. Who is she? What does she symbolise? Will she materialise? The journey takes us to the edges of this strange tale in which the audience is led into an irrational, ambiguous world where oft- grotesque humour combines with tragedy to witness the metamorpho- sis of Tomiko, a young woman sacrificed to the father figure. For this chamber opera production with its spellbinding music and lyrics by Alexandre Desplat, the singers will move about in a horizontal, abstract, minimalist space. Their songs will seem to be enveloped in a spectral light to create a floating, indistinct, ghostly world. The ten musicians at the rear of the stage will appear as key characters in the dramaturgy. Dressed in baroque costumes and positioned in a single, slightly raised line, they will appear to represent a luminous chromatic scale: the reminiscence of an orchard in springtime, offering an open and vibrant horizon for the Master’s gaze, a depth of field conducive to brin- ging life to dead souls capable of being reborn indefinitely in this pur- suit of beauty, this quest for Nature so dear to the author. In the centre of the stage, a black and white space represents the house where the Master will sit in silence with his back to the audience; a fundamental presence facing the musicians and flanked by the two singer-protagonists Tomiko and Mita. Downstage – an area symbolic of writing – the narrator will perform several roles and take possession of the story. Between these three materialised worlds, a mental space will emerge through a video haunted by the image of the writer: symbols, calligraphy, phantasms, flashes. Solrey”
https://www.bouffesdunord.com“This new production of Simon Boccanegra, of which tonight was the eight performance in a run of ten, marks Calixto Bieito’s third collaboration with the Opéra national de Paris, following Reimann’s Lear and his well-travelled Carmen. In this Boccanegra, Bieito actually deals quite expertly with the difficulties of working in the aircraft-hangar-dimensioned Opéra Bastille. He confined most of the interaction between the principals to a narrow strip at the front of the stage, affording the cast a chance to be heard in this exceptionally voice-unfriendly acoustic, but also used the huge dimensions of the super-sized stage to create a visually and dramatically highly intelligent and cogent staging. The individual performances were always reliable and competently sung. Mikhail Timoshenko’s Pietro brought a healthy, handsome bass-baritone of youthful promise....”
https://operatraveller.com“Le rideau se lève dans le silence à l’Opéra Bastille, dévoilant dans l’obscurité une sorte d’échafaudage habillé de néons. Une ombre en descend et vient, d’un pas lent, s’allonger sur le devant de la scène. Simon Boccanegra, corsaire, bientôt doge de Gênes. La structure métallique pivote lentement, s’avérant un squelette de bateau gigantesque : le vaisseau d’un Simon fantôme, déjà hanté par ses démons. Le décès soudain de celle qu’il aime, l’accession à un trône qu’il n’a pas désiré, les intrigues politiques qui vont bientôt l’entourer achèveront de faire basculer le héros dans un monde de cauchemars. Il ne quittera pas le plateau de toute la durée de l’ouvrage, regagnant parfois son navire en marin maudit, poursuivi par le spectre de son amour perdu.”
https://bachtrack.com“The sophisticated style of The Paris Opera, whilst weaving stories of mundane occupations with the artistic highlights of this world, turns the documentary itself into an opera. The story, which follows the classic formula of the backstage picture by taking place in a theatrical setting where the dramatic moments develop behind the scenes, reveals a distinctive personality. Although it may display the canons of the so loved structure, Jean-Stéphane Bron brings to it an original composition. The strength of the film lies in its complete unison with the musical score, which has more to do with tone and atmosphere than soundtrack. The music is an obvious character in the film as much as the performances, but how this film becomes operatic is in the use of the score as a whole that gives a rhythm to the unfolding of events. There are distinctive acts that bring the story to the fore and the arias that punctuate the narration with beautiful solos from the protagonists. One of them is the new promising star, the young baritone Mikhail Timoshenko, whose audition and arrival at the Opera unfold with tenderness and fill us with hope and indulge us with moments of awkwardness when at first, with limited French, he tries to connect and with attempted conversations shows an eager talent trying to find his way...”
https://filmint.nu“Ancien membre de l’Académie de l’Opéra et popularisé par le documentaire L’Opéra dans lequel il apparaît, Mikhail Timoshenko dispose déjà, à 24 ans, d’admirateurs ovationnant sa courte mais très sérieuse intervention. Sa voix assurée porte, y compris dans des graves profonds et intenses...”
https://www.olyrix.com“Cette reprise de la production de Claus Guth créée sur la même scène la saison dernière présente le personnage de Rigoletto sous forme d’un homme abattu, errant avec son fardeau à bout de bras, une sorte de boîte de pandore contenant ses fantômes et ses maigres espoirs de parvenir à éviter les drames de son passé. Il assiste impuissant aux événements qui ont contribué à sa perte, observe dans un mélange de tension et d’agonie tout ce que ses souvenirs contiennent d’angoisse et d’horreur obsédante....”
https://bachtrack.com/critique-rigoletto-rustioni-guth-lucic-sierra-opera-national-paris-mai-2017
